Японская живопись тушью: карт ины художников и стиль рисования

Влияние Китая на японскую живопись

Островная Япония долгое время развивалась отдельно от материковой части Азии, что сделало ее своеобразным культурным анклавом, изначально получившим мощный заряд индивидуализма. Но с введением китайского иерографического письма в повседневную жизнь и включением элементов китайского правительства в государственную структуру началось постепенное сближение двух изначально разных культур.

именно каллиграфия, заимствованная из Китая, больше всего повлияла на развитие живописи, потому что иероглифы изначально были небольшими изображениями, которые не называли, а описывали и изображали слово. Описательный характер китайцев, а после них и японских слов, положил начало основам каллиграфической живописи, а вместе с ними и традиции рисования картин на литературные темы.

Такие картины обычно состояли из длинной горизонтальной прокручиваемой панели, иллюстрирующей конкретное литературное произведение. Этот вид росписи называется ямато-э. Картины Ямато-э обычно включали множество деталей, изображающих людей, дома, сады и горы. Такие свитки было принято постепенно открывать, последовательно рассматривая то, что на них изображено слева направо.

Китай оказал влияние на развитие японских стилей живописи — отсюда в Японию пришли жанры «цветы и птицы» и «горы и воды», а также традиция изображения природы на раздвижных экранах. В японской традиции, основанной на готовых примерах из Поднебесной, зафиксированы и другие вариации на подобную тему — называемые эмакимоно, в переводе с японского — «свиток с изображениями». На таких свитках были нарисованы масштабные исторические баталии, романтические иллюстрации, религиозные притчи и зарисовки на тему народных сказок.

Буддизм и японская живопись

На протяжении четырнадцатого века Япония имела сильное влияние на развитие всех ее культурных и живописных аспектов, в частности, со стороны буддийского направления дзэн, уходящего своими корнями на острова. Изначально буддийская тематика нашла свое применение только в фресках с изображением традиционных богов и богинь. Развитие направления дзен-буддизма в Японии породило новые сюжеты для живописи, поскольку проповедовало особый философский подход к изображению действительности.

Монахи стали художниками. Стиль, в котором они работали, во многом позже прославил японскую живопись. Его зовут Суми-э. Это строгий монохромный стиль рисования, который может воплотить идею в жизнь одним мазком кисти и всего несколькими оттенками. Минимальное количество деталей в таких картинах связано с подходом Дзэн к изображению реальности — общепринято считать, что минимальное количество деталей должно было заставить зрителя познать себя и достичь посредством этого процесса состояния сатори — просветления.

Основными сюжетами суми-э были изображения рек, гор, ручьев и природы, чтобы напомнить вам, что мир текуч и в нем нет ничего постоянного. Самыми известными художниками того времени считаются буддийские монахи Као и Хосэцу.

Период просвещённой Японии

Пройдя непростой период самоизоляции, пришедшийся на 17-18 веков, Япония снова открылась влиянию других культур и начала активно развивать собственную живопись. В период с начала 19 века в Японии распространился один из самых популярных жанров живописи — укиё-э или гравюра с использованием цветной ксилографии. Он существовал и раньше, но его широкое распространение стало возможным благодаря техническому процессу, а также популяризации литературы, поскольку укиё-э в основном печатал иллюстрации к книгам и театральным афишам.

Возможности и причины следующие:

• ежедневные темы для изображений
• тираж произведений
• сцены из чайной церемонии
• картинка гейши
• используя параллельную перспективу
• яркие цвета
• романтизация природных ландшафтов

Широкое распространение получил эротический жанр бидзинг-га или «изображение красавиц», специализирующийся на портретах гейш. Образы женщин отличались особой грацией и всегда рисовались на фоне природы, как бы подчеркивая тонкость и хрупкость их красоты. Самым известным художником того периода считается Хисикава Моронобу, умевший мастерски изобразить человеческую индивидуальность в своих офортах.

Японская живопись также оказала глубокое влияние на западную культуру. Давно известно, что знаменитые французские импрессионисты вдохновлялись творчеством японских мастеров и черпали идеи цветовых и композиционных решений, поэтому значимость полотен Страны восходящего солнца трудно переоценить. До сих пор японский стиль письма считается образцом глубины и романтики.

Японская живопись, фото

• 
• 
• 
• 

Периодизация японского искусства

Как ни в какой другой части мира, в Японии история искусства тесно связана с историей, точнее с историей правящих династий. Основные периоды развития японской живописи:

• Ямато (6-7 века);
• Нара (середина VII — VIII вв);
• Хэйан (конец VIII — XII вв);
• Камакура (конец XII — первая половина XIV века);
• Муромати (первая половина четырнадцатого — первая половина шестнадцатого века);
• Адзути-Момояма (вторая половина XVI века);
• Эдо (17-19 века);
• Мэйдзи (конец 19 — начало 20 века);
• современная японская живопись.

Каждый из периодов отличается способом художественного выражения мира, способом живописи, но преобладание пейзажей остается неизменным: это поперечный мотив японского искусства. Каждый художник в этой стране, от древности до современности, полон глубокого уважения к природе как к вечному источнику жизни.

Наиболее интересными с художественной точки зрения периодами являются Ямато, Муромати и Момояма.

Ямато

Это момент зарождения японского искусства, период изучения Китая, принятия его завоеваний. Именно тогда в Японию были привезены многие произведения китайской живописи, а японские художники смело осваивали необычные техники. Древняя живопись нашла новый источник вдохновения в буддизме, который проник в страну в конце эпохи Ямато и быстро распространился по территории.

Муромати

Этот период составляет величайшую славу японского искусства. Японское мировоззрение, проникнутое философией дзен-буддизма, воплотилось в двух ключевых направлениях: суми-э, в рамках которого зародилась знаменитая художественная школа Кано, и укиё-э.

Суми-э

Эта техника рисования тушью на рисовой бумаге, представленная в 13 веке китайскими монахами, также называется суйбоку, суйбокуга. Японские художники довели его до совершенства: монохромные пейзажи похожи на картины акварелью. Типичные текстуры суми-э — горы и водоемы.

Самые яркие представители руководства:

• Josetsu. Монах считается основателем суми-э. Самая известная работа — «Улов рыбы с тыквой».
• Toyo Sesshu. Его работы являются эталоном этой техники, ярким примером которой является «Пейзаж в стиле Хабоку».
• Саксонский. Интересен не только творчеством, но и происхождением: самурай. В его пейзажах часто встречаются животные, как, например, в картине «Обезьяны на камнях и деревьях».
• Хосегава Тохаку. Благодаря ему стиль суми-э приобрел огромную популярность. Одна из вершин его творчества — «Сосны».

Укиё-э

Так называется характерная ксилография японского городского искусства. Их содержание перекликалось с тематикой городской литературы. В центре внимания исполнителей — люди: гейши, артисты театра кабуки, борцы сумо. Пейзажи в укиё-э появились намного позже. Наибольшего расцвета этот вид ксилографии достиг в 17 веке, а в 18 веке появилась техника цветной печати.

Художественная школа Кано

Его влияние простирается далеко за пределы Муромати: в течение 300 лет клан Кано почти полностью правил в японской живописи. Этому во многом способствовала поддержка сёгуната, официальными художниками которого были представители школы, начиная с основателя Кано Масанобу (1434-1530). Он разработал свой оригинальный стиль, взяв за основу суибокугу и добавив легкую подсветку минеральными красками.

Создателем фирменного стиля Кано стал сын Масанобу Мотонобу (1476–1559). Он сочетал чернильное письмо и использование красок, но, прежде всего, в его творчестве развивалась национальная традиция ямато-э. Мотунобу также оказался успешным предпринимателем: он открыл сеть арт-студий, которая из года в год росла.

Внук Монотобу, Эйтоку (1543-1590), возможно, может считаться лучшим учителем школы Кано. Экраны — неотъемлемая часть японского интерьера — в его исполнении стали символом изысканной роскоши Момоямы и эталоном живописи на долгие годы. Сложный, тщательно нарисованный на золотом фоне пейзаж наполнен множеством тонких деталей, которые ускользают от поверхностного взгляда, но очаровывают при внимательном рассмотрении.

Последним ярким представителем Кано является Сансэцу (1589–1651), действовавший уже в период Эдо, когда в моду вошла строгая простота. И хотя он все еще занимался росписью по золоту, росписи тушью принесли ему известность.

Школа Кано — это закономерное явление, несмотря на огромное количество художников, которые являются ее частью. Сюжеты картин охватывают все традиционные мотивы: пейзажи, животные, бытовые сюжеты. Монохромные картины на шелке мастеров Кано превосходны, характеризуются сочетанием реалистичного переднего плана и абстрактного — второго: на нем изображены облака, волны, туман.

В 19 веке, когда Япония перестала быть изолированной и скрытой от мира, она некоторое время находилась под сильным европейским влиянием. В искусстве это проявилось в соревновании традиционного и западного стилей. Но эта борьба быстро сошла на нет, и классическая японская живопись вернулась в центр культуры страны.

Стили японской живописи

Исходя из опыта классификации стилей японской живописи, я счел необходимым прежде всего понять определение самого понятия «стиль». Это оказался очень сложный вопрос, поскольку различные определения «стиля» в целом и «стиля живописи» в частности в научной литературе иногда бывают абстрактными и противоречивыми. Ниже я попытался обобщить наиболее важные, на мой взгляд, определения и выводы относительно стилей живописи, к которым пришли ученые и искусствоведы.

Асидэ-э

Ашидэ-э (葦 手 絵, «стиль тростника») представляет собой уникальный синтез туши и художественной каллиграфии ашиде (葦 手, «стиль тростника»). Одни искусствоведы считают это самостоятельным стилем живописи, другие — отдельным видом поэтической живописи (ута-э) и неотъемлемой частью раннего ямато-э .

Бёобу-э, или бёбу-э

Бёбу-э (屏風 絵) — нарисовано на складных ширмах (屏風, бёбу или бёбу) или нарисовано на ширмах. Как вид живописи, бёбу-э является частью шохейги и хекига.

Досякуга

Досякуга (道 釈 画) — жанр китайской, а затем и японской живописи, представляющий портреты основоположников и легендарных представителей даосизма и буддизма. Позже в этот жанр вошли и изображения синтоистских божеств в Японии. Полное (и реже используемое) название рода — дошакудзинбуцуга (道 釈 人物画).

Ита-э

Ита-э (板 絵, буквально «нарисованный на деревянных досках») нарисованы на стенах или дверях буддийских храмов или синтоистских святилищ. Иногда термин тобира-га (扉 画) или тобира-э (扉 絵) используется для обозначения росписи дверей).

Канга

Канга (漢画, «китайская живопись») — несколько стилей живописи, которые развивались в Японии с середины 13 века под влиянием китайской живописи (漢, японское канг), особенно техники рисования тушью, суйбокуга (水墨画), династий Сун и Юань. (宋元 画, «сугэнга»). Однако в более широком смысле термин «канга» часто используется как синоним «кара-э» и относится к произведениям, находящимся под влиянием китайской живописи, в том числе китайской живописи династий Мин (明) и Цин (清).

Кара-э

Кара-э (唐 絵) — японский термин, который буквально означает «живопись Тан» (唐), то есть китайская живопись династии Тан, но в более широком смысле относится к китайской живописи в целом. Значение и использование термина «кара-э» на протяжении веков менялось много раз.

Суми-э — японская монохромная живопись

Суми-э — это японская монохромная тушь. Это направление зародилось в 14 веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э (суми-э) представляет собой сочетание двух японских слов, которые в переводе означают «чернила» (суми) и «краска» (е). То есть суми-э — это разновидность монохромной живописи, похожая на акварель.

Дзэнские монахи, проводившие долгие часы за изучением классической китайской литературы, отождествляли себя с конфуцианскими мудрецами, которые отвергали вульгарный мир, чтобы общаться с природой и овладевать изящными искусствами, такими как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия.

Уникальность текстуры, мягкость кисти и обильное использование воды — все это составляет отличительный индивидуальный стиль японской живописи суми-э.

Немного истории

Суми-э уходит корнями в Китай, где он родился также благодаря миссионерской работе буддийских монахов.

Японское название «суми-э» состоит из двух слов: тушь («суми») и живопись («э»).

Изначально Суми-э, как и китайский стиль живописи Сэ-и, был монохромным и рисовался только тушью, но со временем японские мастера стали использовать цветные минеральные краски.

Зарождение суми-э

В 14-15 вв. Доминирующим направлением живописи был монохромный пейзаж в стиле сансуи (горы-вода), произведения которого украшали дворцы аристократии и военной элиты. Представителями Сансуи были высокообразованные художники: Кичидзан Минчо (1352–1430), Джозетсу (1405–1423) и Сэйшу Тойо (1420–1506), которые учились в Китае. Джозетсу и Сэйшу были монахами-художниками из монастыря Шококудзи в Киото, который принадлежал дому Асикага.

История суми-э, как и история японской эстетики ваби-саби, началась с монаха. Дзен-монах Джозетсу (1394-1428), по легенде, стал основоположником стиля суми-э в жанре пейзажа. Картина «Поймать рыбу с тыквой», выполненная по личному заказу военного правителя Японии, уже полностью самостоятельна и несет в себе лишь следы китайского влияния.

В эпоху Муромати в провинции появилось много художников, и большинство из них — самурайского происхождения. Самый известный — Сессон Сюкей 雪村 (1504-1589). Сассон стал монахом и стал художником. Он продолжал работать до 80 лет в районах Канто и Айдзу. Многие его работы несут на себе отпечаток самурайского воспитания художника.

Хосегава Тохаку (1539-1610) был выдающимся художником этого периода. Легендарная работа в формате двух 6-ти панельных экранов — «Сосновый бор». В настоящее время Сосновый бор находится в Токийском национальном музее и включен в список национальных сокровищ Японии.

Размер каждого экрана составляет 1,5 x 3,5 м. Сосны изображены чернильными мазками различных оттенков серого. Они стоят группами в тумане, частично высовываются из него и исчезают, растворяясь вдалеке. Это произведение также является одним из самых известных примеров использования йохаку, или «значительной пустоты» в японской живописи.

Йохаку — эффект пустого белого пространства на поверхности картины. Йохаку придал картине непознаваемый смысл, он пробудил в зрителе чувство неисчерпаемости источника космической жизни. Подобные принципы фигурируют в искусстве театра Но: способность вызывать интерес без видимого действия. В искусстве чайной церемонии этим принципом выступает такекура (тайна, а не проявление). Йохаку — это основа для понимания религиозного опыта в искусстве, кульминацией которого является категория юген.

В переходный период от Адзути-Момояма к более мирному периоду Эдо работал художник Товарая Сотацу, чьи работы ознаменовали появление исключительно японского стиля суми-э. Ему также приписывают основание японской школы декоративной живописи Римпа. Наряду с оригинальным стилем живописи и техникой тарасикоми, капли чернил Товараи оказали огромное влияние на современный стиль суми-э. Работая вместе, Таварая Сотацу и художник Хонами Коэцу создали произведения необычайной красоты.

Еще одним известным мастером этого периода, рисовавшим с натуры, был Маруяма Окё (1733-1795). Маруяма украшал движущихся кукол и создавал полотна укиё-э. Он умел виртуозно использовать пустое пространство листа в своих композициях.

Выдающимися мастерами этого направления были Айк-но Тайга (1723-1776), Йоса Бусон (1716-1784), Урагами Гёкудо (1745-1820), Таномура Чикуден (1777-1835). Творчески переосмысливая традиции японской и китайской живописи, они стремились придать своим картинам атмосферу глубокого лиризма и неповторимой индивидуальности.

В 18 веке вошел в моду китайский стиль бундзинг («живопись интеллектуальных художников»), который в Японии назывался нанга. Художники Бундзинга, которых считают «японскими импрессионистами», вдохновленные китайской культурой, особенно ценили живопись династий Юань, Мин и Цинь.

Ориентация на китайские рисунки всегда была характерна для японской монохромной живописи. Однако незаурядная способность японцев виртуозно интерпретировать заимствования привела к тому, что образцы с материка постепенно трансформировались в дух национальных художественных течений.

В отличие от Китая, где живопись тушью до современности превратилась в единую линию общих законов и традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ и направлений, сумевшие значительно расширить художественный диапазон и арсенал средств выражения суйбокуги.

Вобрав в себя мистический дух буддизма, суми-э воплотил его основные мотивы в художественной форме. Простые черные линии, нарисованные на белой бумаге, могут представлять сложный узор, так же как в дзен несколько произнесенных слов могут быть результатом многочасовой медитации.

В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности, он отбрасывает все, что его не интересует. Он описывает природу такой, какой она нарисована в его воображении, в ней воплощена сама ее сущность. Художник хранит в памяти все образы такими, какими он их видел.

Кацусика Хокусай — представитель суми-э

Творчество Хокусая оказало влияние не только на японских художников, но в значительной степени и на европейское искусство, особенно на представителей импрессионизма и модерна. В произведениях Клода Моне и Пьера Огюста Ренуара легко найти отсылки к гравюрам японского мастера. Хокусай родился в 1760 году в крестьянской семье, а затем, из-за бедности родителей, получил образование мастера, который отвечал за изготовление зеркал для сёгуна. Хокусай стал помогать приемному отцу и впервые оказался вовлеченным в умелую работу японских мастеров — позже он поступил в мастерскую художника Кацукавы Сюнсе. Это поможет ему сделать первые шаги в изобразительном искусстве.

Переломным в жизни Хокусая считаются 1790-е годы — поэтому он начал создавать гравюры, в которых ярко просматривается его авторский стиль: он умело сочетал китайскую, японскую и европейскую художественные школы. Его работы 1830-х годов стали известны во всем мире, среди которых выделяется серия рисунков «100 видов горы Фудзи».

Живопись суми-э сегодня

Роспись суми-э давно перешагнула границы Японии и рассыпала по всему миру зерна, побеги которых, не раздумывая, прорастали и превращались в крепкие деревья, особенно в России. Сегодня в Москве действуют школы живописи суми-э, одна из которых находится в клубе «Две империи».

Современные японские художники

Страна восходящего солнца — земля талантов. Многие представители мира современного искусства родились, выросли и построили здесь свою карьеру: Чихо Асима, Чихару Сиота, Тацуо Миядзима, Эй Аракава, Кодзи Исикава, Аями Кодзима, Эрина Мацуи, Такаши Мураками, Синро Отаке и др.

Японские художники очень оригинальны в своем видении искусства, каждый из них использует необычную форму подачи. Так, например, это может быть картина, скульптура, анимация, мультфильм или инсталляция, выполненная в визуальном, звуковом и т.д. Работы популярны во всем мире: их ценят очень большие суммы денег высокие, их везде покупают.

Хироси Есида

Во второй половине XIX века в Японии начались быстрые изменения не только экономические, но и культурные. На местное искусство сильно повлиял западный мир. Начали меняться традиции создания гравюр и картин. Хироши Ёсида считается одним из самых ярких представителей новой «переходной» художественной школы Японии. Родился в 1876 году, как автор сумел существенно «реформировать» национальное изобразительное искусство. Йошида искренне любил западную живопись и старался обогатить свои работы ее элементами. Кроме того, он часто бывал в США и Европе, где мог учиться в художественных студиях. Немаловажно и то, что на гравюрах, вопреки традиции, он изображал не только японские пейзажи и места, но и зарубежные памятники, которые он видел во время своих многочисленных путешествий, например, индийский Тадж-Махал.

Такаси Мураками

Будущий художник получил образование в одном из самых престижных вузов страны. Токийский университет искусств может похвастаться несколькими десятками выдающихся выпускников, многие из которых являются известными архитекторами, дизайнерами, скульпторами, художниками, поэтами, писателями, композиторами и художниками.

Работы Такаши Мураками разнообразны и оригинальны; один из самых ярких японских представителей школы современного искусства.

Художника вдохновляют аниме и манга, которые особенно популярны в Японии. За свою карьеру он организовал несколько десятков персональных выставок своих работ: скульптур, живописи, анимации и так далее. Кроме того, он известен своим успешным сотрудничеством с Louis Vuitton, Issey Miyake, Marc Jacobs, Vans, с американскими исполнителями Канье Уэстом, Фарреллом Уильямсом, для тех, кто создавал обложки альбомов и участвовал в создании музыкальных клипов.

Сейчас Мураками продолжает развивать свое творчество, разделившись одновременно на два города: Токио и Нью-Йорк. Кроме того, он работает с организациями, компаниями, брендами, имена которых широко известны во всем мире, занимается благотворительностью и поддерживает творчество молодых отечественных художников.

Тихо Асима

Художник Чихо Асима некоторое время работал с Такаши Мураками, создает картины в стиле авангард. Ее работы славятся невероятными пейзажами и изображениями фантастических существ, которые она придумывает сама. Долгое время он сотрудничал с Иссей Мияке, известным японским модельером и стилистом, поддержка которого повлияла на карьеру Асимы.

В 2006 году в Лондоне на выставке он показал миру свое творение: невообразимые арки, передающие всю атмосферу городов и небольших поселков днем ​​и ночью. Одна из таких арочных конструкций находилась в метро, ​​пройти мимо которого было невозможно.

Тихару Сиота

Чихару Сиота — японская художница, прославившаяся необычным изложением своего видения современного искусства. Создавайте потрясающие пространственные композиции, используя нити, которые обвивают предметы.

Будущая художница долгое время изучала искусство в Японии и Германии, где продолжает работать и сейчас.

Для создания своих шедевров Сиота использует любые предметы, он даже просит простых людей помочь ему, чтобы они присылали свои личные вещи с небольшой историей о них. В основном в работах видны только красные и черные нити, каждый цвет имеет свое обозначение, каждая фактура имеет свое значение. Но Чихару Сиота не зацикливается на каком-то конкретном сообщении, он позволяет зрителю создать свое собственное изображение и сообщение.

Изучать японских художников можно долго, ведь творческих людей в этой стране бесчисленное множество. Можно только наблюдать за карьерой этих людей и восхищаться их работами.

Яеи Кусама

При психических расстройствах, галлюцинациях и навязчивых мыслях о самоубийстве приятного мало, но иногда такой «багаж» может служить источником для создания необычных произведений искусства. Именно так обстоит дело с Яёи Кусамой, известным японским художником 1929 года рождения. Фирменный «горох» приснился девушке во время одного из его приступов. Учитывая консервативный характер общества Страны восходящего солнца, она начала свою карьеру в Соединенных Штатах, где в конце 1950-х годов быстро взяла на себя роль ведущего бунтаря в мире искусства. Однако позже она все же вернулась на родину, где она оказалась для нее намного комфортнее. Яёи Кусама трижды представлял Японию на Венецианской биеннале, его работы выставлялись в крупнейших музеях мира вместе с картинами Энди Уорхола и Джаспера Джонса. Сегодня Кусама имеет собственный музей в Токио и живет в психиатрической клинике, где до сих пор много работает.

Фудзисима Такэдзи

Фудзисима Такэдзи — величайший японский художник в западном стиле начала 20 века. Он родился в знатной самурайской семье клана Симадзу и с детства родители прививали ему любовь к искусству. Принимая во внимание отказ Японии от политики изоляции, он заинтересовался западной живописью и давно мечтал побывать в Европе. Его желание сбылось в 1905 году, когда он поступил учиться в ведущие художественные школы Старого Света. Он оставался в Европе в течение пяти лет, а по возвращении в Японию в 1910 году стал профессором Токийской школы искусств, а также членом Императорской академии художеств. Глядя на картины Такэдзи, можно только задаться вопросом, сколько Талант он сочетал в своих полотнах: европейскую технику живописи и азиатское медитативное созерцание.

Ясумаса Моримура

Ясумаса Моримура — не только талантливый художник и важный представитель постмодернизма, но и отважный провокатор. Он наиболее известен своими работами, в которых он по-своему интерпретирует знаковые произведения искусства. Он любит переосмысливать шедевры живописи, меняя пол или расу изображенных на них персонажей. Также он часто меняет отдельные элементы картин. Например, он превратил «Мону Лизу» в азиатку, а «Олимпию» Мане одел в кимоно. Цель этих преобразований — не банальное хулиганство, а желание понять, настолько ли нации и народы отличаются друг от друга.

Что вам нужно, чтобы начать?

Студент суми-э должен распознавать разные типы кистей и знать, как они работают. Если вы купите недорогие щетки для потребительских товаров в местном магазине канцелярских товаров, вы будете очень разочарованы, потому что щетка не будет работать так, как ожидалось. И разочарованный человек в конце концов отказывается учиться. По этой причине даже новичок должен начать познавать удивительный мир суми-э, используя качественную, хотя и дорогую кисть. Такие вложения окупятся в будущем. К тому же хорошая профессиональная кисть верой и правдой прослужит вам долгие творческие годы, полные вдохновения.

Настоящие профессиональные японские кисти для рисования изготовлены из натурального флиса: заяц, столбик, медведь, барсук, коза и так далее. Кисточки Natural хорошо впитывают и удерживают тушь.

Некоторые кисти подходят для любого стиля рисования и каллиграфии, их более двухсот; они часто помечаются, чтобы было понятно, для чего предназначена конкретная кисть.

Кроме того, кисти также различаются по размеру, жесткости и длине волос. Для каждого вида работы вы можете использовать свои кисти, например, для изображения цветов, животных и листьев, использовать мягкие кисти из козьей или овечьей шерсти, а иногда и из меха кролика. А вот для прорисовки мелких деталей в стиле гунби лучше покупать кисти посложнее — из шерсти лошадей, медведей и барсуков.
В арсенале художника должно быть несколько кистей.

Как ухаживать за вашей кисточкой

Что ж, в итоге, потратив много времени на выбор кисти, вы не пожадничали и купили дорогой инструмент. И тут возникает закономерный вопрос, а как заставить кисть служить нам долгие годы.

Так что помните простые правила. Каждый раз, когда вы рисуете свой следующий шедевр, тщательно промывайте кисть чернилами. Никогда не используйте горячую воду. Щетинки кистей обычно склеиваются клеем животного происхождения, в состав которого входит желатин, который, в свою очередь, может не сразу, конечно, а постепенно растворяться в воде. Если оставить кисть суми-э в воде на некоторое время, щетина может выпасть.

Особое внимание следует уделить мытью основы щетины, иначе тушь вокруг волосков высохнет и ворсинки расширятся, кисть не образует острого кончика.

Во время сушки щетки необходимо держать в подвешенном состоянии до полного высыхания и только после этого, при необходимости, надевать колпачок для транспортировки, чтобы избежать деформации спицы.

Какую использовать бумагу для японской живописи

Японская традиционная бумага для рисования васи (和 ​​紙, хэ чжо) — изготавливается из волокон коры кодзо, мицумата и гампи. Процесс изготовления долгий и сложный, но при этом бумага прочная, долговечная и красивая. Он отличается неправильной структурой и белым цветом. Эта бумага считается лучшей для каллиграфии и живописи.

Как выбрать чернила для суми-э

По консистенции чернила могут быть жидкими (готовый раствор во флаконах) и сухими (в брикетах). Многие художники используют готовые жидкие чернила, это проще, но при рисовании сухими чернилами легче добиться нужного оттенка.

И в этом есть некая загадка, когда втираешь в чернильницу сухую тушь и вдыхаешь более тонкий аромат свежей туши.

С чего начать

Чтобы научиться наносить характерные мазки японской живописи, нужно научиться правильно держать кисть.

Научитесь держать кисть вертикально, перпендикулярно бумаге. Для этого нужно взять руку за ручку посередине, большим пальцем с одной стороны и указательным и средним пальцами с другой, поддерживая безымянный палец, слегка надавливая на него мизинцем.

Во время рисования, чтобы отрегулировать ширину штриха, кисть можно наклонять под разными углами до точки, при которой кисть почти параллельна бумаге.

Что дальше

Что ж, вы научились держать кисть, наносить разные мазки на бумагу. Пора проявить себя.

Относительно простая тема для начинающих суми-э — это стебли и листья бамбука. Сложность в том, что большинство из нас никогда не видели бамбук в дикой природе, а тем более в роще.

Но надо помнить, что ваше творение в этом стиле не предназначено для детального изучения бамбука. Суми-э — это прежде всего картина идеи.