Японские гравюры укиё-э: искусство страны восходящего солнца

Японские гравюры укиё-э

Сегодня японские гравюры укиё-э на стенах музеев вызывают уважение. Однако в период Эдо, когда они были созданы для игры, обучения, как средство коммуникации, укиё-э было неотъемлемой частью повседневной жизни. Как отражение японского общества той эпохи, они представляют большой интерес.

Со второй половины XIX века японское искусство начало оказывать влияние на Запад, и сильная страсть к нему привела к возникновению особого художественного движения: японцев. Благодаря всемирным выставкам и специализированным магазинам японское искусство, предназначенное для небольшого круга посвященных, вскоре стало популярным среди более широкой аудитории. Красивые, красочные и недорогие японские гравюры вызвали интерес таких художников, как Моне, Дега, Ван Гог, а также гравера Бракмона, скульптора Родена, писателей, в том числе братьев Гонкур, и других — они вдохновили всех.

Японцы, которые никогда не видели укиё-э как произведение искусства, были очень удивлены этим западным очарованием. Игры, титры, медиа, разноцветные гравюры на дереве были неотъемлемой частью повседневной жизни жителей страны восходящего солнца.

Вернемся к созданию укиё-э в период Эдо (1603-1868) и посмотрим, как японцы использовали их.

Укиё-э — образы «смертного», меняющегося мира. Это особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Изначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как «смертоносный и быстротечный мир». В 17 веке он уже стал обозначать современный суетный мир, мир любви и удовольствий. Слово «е» означает «образ, образ». Таким образом, название искусства «укиё-э» означает, что оно отражает повседневную и современную жизнь периода Токугава.

В создании гравюры на дереве принимали участие художник, резчик и печатник. Иногда для разноцветных гравюр изготавливали более тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиками пальцев. Картины были напечатаны на мягкой, влагопоглощающей японской бумаге, а затем отшлифованы бамбуковым диском Baren. У японцев были разные виды принтов укиё-э: бидзин-га (изображение красавиц), якуша-э (портреты театральных актеров), сюнга (эротические изображения), муся-э (изображения самураев), фукей-га (пейзаж) и катэ-ха — цветы и птицы.

Рождение японских гравюр укиё-э

Когда в 1603 году сёгун Токугава Иэясу (1542-1616) решил основать новую административную столицу в болотистом месте под названием Эдо (ныне Токио), он сразу же начал меняться и стал большим городом, конкурирующим с Киото, столицей император. В период Эдо правительство сёгуна установило систему, которая обязывала феодалов даймё служить сёгуну в городе Эдо в течение определенного периода. Вернувшись на свои земли, феодалы оставили своих супругов и детей в столице на постоянное место жительства, превратив их в заложников власти. Эти регулируемые механизмы были очень дорогими. Феодалы быстро влезли в долги и были вынуждены обращаться к купцам за деньгами. Торговцы и ремесленники легко разбогатели и хотели жить комфортно и развлекаться. Они были готовы навязать обществу свои вкусы в искусстве, литературе, театре и развлечениях любого рода.

Именно в этом контексте родились японские гравюры укиё-э. Вначале гравюры на дереве, импортированные из Китая, использовались для печати и иллюстрации буддийских текстов. Его популярность снова возросла в 17 веке, когда художник Хисикава Моронобу (? ~ 1694) применил эту технику в 1660 году для печати отпечатков на отдельных листах. Японская бумага Наша отдельная статья посвящена искусству Суми-э — японской монохромной живописи.

Но покупатели хотели красочные принты, и вскоре они были окрашены в оранжевый цвет светло-коричневой (丹) краской из серы и ртути. В XVIII веке эти принты, получившие название тан-э (丹 絵), были дополнены принтами бени-э (紅 絵), которые показали более полный красный цвет, достигнутый с помощью дикого шафрана, а также отпечатки черного лака уруши-э (絵).

В середине 18 века ремесленники начали печатать двух- или трехцветные гравюры. Они назывались бенизури-э (紅 摺 絵) и ознаменовали собой фундаментальное достижение в области гравюры, которое в 1765 году привело к созданию полихромных гравюр на дереве художником Судзуки Харунобу (1725-1770), названных «картинами из парчи» (нисики- э, 錦 絵).

Если первые полностью полихромные принты были дорогими, то очень быстро их цена упала и вскоре перестала превышать цену миски с лапшой. Гравировка укиё-э — это результат коллективной работы, когда редактор, заказывающий рисунок у художника (любой рисунок был сделан кистью и чернилами), передает его цензору, а затем передает граверу и печатнику.

Продаваемые в специализированных магазинах (эзосиях) или у уличных торговцев отпечатки просто скатывались и доставлялись покупателю, как это делается сегодня с плакатами.

Их легкость сделала их особенно подходящим подарком для провинциалов, уехавших в столицу, или для тех, кто уехал в провинцию. Японские гравюры пользовались успехом до появления фотографии в 19 веке.

Ранний этап

Он относится к периоду от Великого пожара в годы Мейреке до эпохи Хореки. Укиё-э на ранних этапах состоял в основном из оригинальных рисунков и монохромных гравюр на дереве (сумизури-э).

После середины 17 века человека, создавшего оригинальные рисунки для гравюр на дереве, стали называть «хансита-эси» (профессиональный рисовальщик), затем появился Моронобу Исикава, который рисовал иллюстрации для книжек с картинками и укиё-дзоси (народные сказки быта) жизнь в период Эдо). Знаменитая «Mikaeri Bijin zu» («Живопись с оглядывающейся назад красотой»), его самая значительная работа, представляет собой оригинальный рисунок.

В книге «Koshoku ichidai otoko» (Жизнь любящего человека) Saikaku (опубликована в 1682 году) описывается, что укиё-э было нарисовано на складном веере с 12 ребрами, и это самая старая литература, в которой слово укиё-э может быть найденным».

Когда началась эпоха Тории Киёнобу, появилась разновидность сумидзури-э, нарисованная кистью и тушью. Для таких гравюр использовались в основном красные пигменты, с желтовато-коричневым оттенком (красная земля) они назывались «тан-э», а с оттенком мерси (румянец) — «мерси-э». Также сумизури-э с добавлением разных цветов к бени-э назывался бенизури-э. С тех пор школа укиё-э тории была тесно связана с кабуки (традиционный театр, исполняемый мужчинами-актерами) и до сих пор используется на рекламных щитах кабуки.

Средний этап

Он восходит к 1765 году, когда родилась нисики-э (печать), около 1806 года.

В 1765 году эгоё (иллюстрированные календари) стали модными, особенно среди поэтов хайку, и стали организовываться вечера обмена эго. Чтобы удовлетворить спрос, Харунобу Судзуки и другие разработали адзума-нисики, напечатанные в нескольких цветах, и культура укиё-э процветала. Что касается факторов, позволяющих использовать многоцветную печать, было указано, что для обозначения точек наложения были введены «кэнто» (регистровые метки) и что толстая высококачественная японская бумага, способная выдерживать печать, была представлена ​​многоцветной. Использовалась бумага на основе кодзо (бумага брусонеттия), такая как этизен-хосогами (плотная японская бумага превосходного качества из провинции Этизен), иё-масагами, нисами-учигами и т.д. Кроме того, важную роль сыграло экономическое развитие, поскольку для сложных процессов было введено разделение труда между ситаэси (художники укиё-э), хориши (граверы) и суриси (печатники).

После смерти Харунобу Судзуки изображения в бидзинге начали меняться с андрогинных, кукольных на реалистичные.

В эпоху Аньэй Сигемаса Китао был популярен благодаря подношениям. Реалистичная демаркация была также добавлена ​​к якуша-э, и Шунш Кацукава нарисовал скучные нигао-э (портреты).

Кроме того, появился Утамаро Китагава Утамаро, который нарисовал множество окуби-э (портретов на груди), которые были своего рода подношением в тонкой, изящной и приятной манере.

В 1790 году была создана система одобрения Аратаме-ин, и к печатным СМИ были применены различные ограничения.

В 1795 году ханмото (издатель) по имени Дзюзабуро Цутай, активы которого были конфискованы за нарушение запрета, ввел Шараку Тосюсай в качестве меры возрождения. Хотя он привлек внимание публики поразительно преувеличенным якуша-э, его популярность произвела плохое впечатление из-за чрезмерного преувеличения черт, и он был побежден чрезвычайно популярным «Якуша бутай но сугатаэ» Тоёкуни Утагавы («Картинки актеров на сцене.

Впоследствии начала возникать крупнейшая школа художников эси укиё-э, школа Утагава, состоящая из учеников Тоёкуни.

Поздний этап

Он датируется примерно 1807–1858 годами.

После смерти Утамаро Китагава мейнстрим бидзинга обратился к чувственной и сексуальной красоте и привлекательности, представленной Кейсай Эйзеном.

Хокусай Кацусика, один из учеников Шунша Кацукавы, нарисовал Фугаку сандзю роккей (Тридцать шесть видов на гору Фудзи) на фоне процветающего путешествия, в результате чего Хиросигэ Утагава напечатал Токайдо Годзюсан-цуги (Пятьдесят три станции Токайдо). Благодаря этим двум художникам мейсо-э (пейзажный рисунок) развился в жанре укиё-э.

В жанре якуша-э Кунисада Утагава, как преемник своего учителя Тоёкуни Утагава, нарисовал сильные якуша-э.

В кусадзоси Муся-э начал рисовать Куниёси Утагаву и других, наряду с популярностью сказок в жанре фэнтези.

В то время популярность приобрела серия Куниёси Утагавы «Суйкодэн» («Берег моря»), и произошел «бум Суйкодэн».

«Эдо сунако сайсенки», опубликованное в 1853 году, описывает Тоёкуни Нигао (нигао-э), Куниёси Муша (муся-э) и Хиросигэ Мэйсё (мэйсо-э)».

Конечный этап

Он восходит к 1859-1912 годам. Йокогама-э (yokohama ukiyo-e) стал модным среди людей, черпавших вдохновение из курофуне («черные корабли» коммодора Мэтью Перри) и интересовавшихся западными культурами. После реставрации Мэйдзи кайка-э (иллюминационные картины), изображающие редкую западную архитектуру и железные дороги, были заменены ёкогама-э.

В то время как в Японии, которая была разрушена реставрацией Мэйдзи, гротескные вещи появлялись в кабуки и других развлекательных шоу, Ёсику Очиаи и Ёситоши Цукиока, которые были учениками Куниёси Утагава, нарисовали «Эймэй нидзухатишуку», на котором были изображены сцены крови и назывались музан — и, а также иллюстрации к статьям в nishikie-shimbun.

Ёситоши Цукиока с его сложными рисунками на основе эскизов создал не только музан-э, но и множество рэкисига (исторических картин) и фузокугу, и стал известен как «последний художник укиё-э». Поскольку он настоятельно рекомендовал своим ученикам исследовать другие жанры изобразительного искусства, многие ученики достигли величия как иллюстраторы и художники в японском стиле, такие как Киёката Кабураки; Таким образом, традиция укиё-э перешла в другие жанры.

Кроме того, укиё-э начали рисовать несколько художников школы Кано, в том числе Кёсай Каватабе.

Киёсика Кобаяши создал новую пейзажную картину под названием косенга, в которой не использовались линии профиля.

Исифудзи Утагава использовал укиё-э в омотя-э, теперь называемом газетными приложениями, и, благодаря популярности этой идеи, играл активную роль как художник эши, специализирующийся на ототья-э. Его даже называли «Омоти Ёсифудзи».

Укиё-э постепенно приходит в упадок, теряя популярность в газетах, фотографии, новых технологиях, таких как литография и так далее. Художники укиё-э проявили свою изобретательность с фотографиями, в основном напрасно, и были вынуждены стать иллюстраторами и так далее. История укиё-э, продолжавшаяся с периода Эдо, почти закончилась тем, что последней гравюрой было сэнсэ-э, изображающее китайско-японскую войну.

От периода Тайсё до периода Сёва Хасуи Кавасэ и другие решили возродить укиё-э с помощью новых гравюр на дереве, а также оставили после себя многие работы, в которых использовалась технология многоцветной печати укиё-э.

Основные жанры

Бидзин-га (美人 が) — образ красавиц. Как следует из названия, главным героем этого жанра были красивые женщины. Нередко в резьбе можно было увидеть жителей веселого района Ёсивара: гейш, куртизанок и просто знаменитых красавиц. Типичная красавица того времени имела овальное лицо, изогнутую шею и маленький рот. Сюжеты, в которых появлялись красавицы, были повседневными: чайная церемония, баня, прогулки, игры. В этом жанре зародился стиль окуби-э (お 首 絵) — «большие головы», где на переднем плане изображалась голова девушки.

Мастера: Сузуки Харунобу, Тории Киёнага, Китагава Утамаро.

Якуша-э (役 者 絵) — портреты известных театральных актеров. Художник должен был соблюдать некоторые жесткие правила в изображении: например, миндалевидные глаза, собранные в кучу, свидетельствовали о гневе; если герой кусал платок, он проявлял необузданную страсть, а волосатость относилась к звериной свирепости и дикости. У резных фигурок Якуша-э есть интересная особенность: на головах персонажей видно пурпурное пятно. Действительно, эта точка обозначала шляпу, которая, как и все мужчины Эдо, символизировала бритый лоб, которую носили актеры, изображающие женщин (а, как известно, в кабуки все роли, включая женщин, играли мужчины).

Мастера: Тории Киёнобу, Кацукава Шуншо, Тосюсай Шараку, Утагава Тоёкуни.

Сюнга (春 画 «весенние образы») — эротические принты.

При слове «укиё-э» у японцев в первую очередь возникает в голове образ картины жанра сюнга, а затем и всех остальных. Сюнга — это жанр, в котором изображены очень откровенные интимные сцены с преувеличенными анатомическими деталями, шокирующие европейцев, воспитанных в строгих христианских традициях. Но шок сменился популярностью: на Западе таких изображений никогда не могло быть, и иностранцы их очень активно покупали.

Мастера: Хисикава Моронобу, Кацусика Хокусай, Китагава Утамаро, Судзуки Харунобу.

Катё-га (花鳥 絵 — «цветы и птицы»). Изображения рода катэ-га можно назвать атласами флоры и фауны периода Эдо. Основное правило — изображать два разных типа птиц или цветов.

Мастера: Охара Косон, Джакучу Ито.

Fukei-ga (府 警 画) — пейзажное изображение. Часто выпускались целые серии сюжетов, объединенные узором. Например, «Тридцать шесть видов Фудзи», «Сто видов Луны».

Мастера: Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ.

Муся-э （武 者 絵） — изображения известных самураев. Он относится к историко-героическому жанру, ставшему популярным в 1830-е годы. На них изображены королевские исторические личности, хроники и участники средневековых войн. На рубеже XIX и XX веков гравюры служили своеобразным средством массовой информации, повествующей о событиях на фронтах боевых действий с Китаем и Россией.

Мастер: Утагава Куниёси.

Утилитарные и рекламные гравюры

Именно для создания иллюстрированного календаря (э-гойоми) Судзуки Харунобу создал первую полихромную гравюру на дереве. Хрупкие силуэты андрогинных персонажей, волнистость полости (каразури) и рельеф (кимедаси), который он использовал, не могли не восхищать современников.

Впоследствии были созданы многочисленные гравюры для очень специфических целей. Торговля цветами, реклама ресторанов или магазинов шелковых тканей, предшественников современных универмагов, осуществлялась с помощью гравюр, особенно в конце периода Эдо.

Рекламы косметики, особенно белой (васирои), которую женщины наносят на лицо и затылок, и губной помады, были представлены в виде гравировки. Три цвета макияжа были: белый (для кожи), красный для губ и черный для бровей и зубов, которые японские женщины чернили, когда выходили замуж. Также была мода на зеленую нижнюю губу, вдохновленную куртизанками, которая была достигнута путем последующего нанесения слоев драгоценной и дорогой помады.

Веселые кварталы Ёсивара, известные своими высокопоставленными куртизанками, часто выбирались в качестве мотива для гравюр. Ее куртизанки диктовали последнюю моду в прическах и макияже.

Благодаря Китагаве Утамаро (1753–1806) представление о женской красоте достигло своего апогея. Очень модными стали портреты женщин крупным планом на слюдяной основе.

Актеры кабуки, как великие куртизанки, служили артистам образцом для подражания. Они покупали свои портреты точно так же, как позже на Западе с фотографиями киноактеров. Среди самых известных портретов — портреты загадочного Шараку, истинная личность которого до сих пор неизвестна.

Когда в XIX веке в моду вошли путешествия и паломничество, такие художники, как Хокусай и Хиросигэ, создали прекрасные пейзажные гравюры, которые также стали важной рекламой известных мест.

Обучающие и игровые гравюры

Были напечатаны гравюры, чтобы детям было легче научиться читать алфавит или иероглифы, а также запоминать названия цветов, птиц и т.д.

Сегодня никто бы не посмел вырезать японскую гравюру. Однако многие из них были созданы специально для этих целей. Например, постановка кукольного театра и кимоно, метание модели и т.д. Печатные игры про безумие вызвали восторг и у детей, и у взрослых. Также очень популярны загадки и гравюры китайских теневых игр.

Гравюры-газеты

К концу периода Эдо японцы все больше и больше интересовались обычаями иностранцев, и были напечатаны многочисленные гравюры, изображавшие иностранцев в их повседневной жизни.

Японские гравюры также были очень полезны в эпоху, когда еще не существовало газет для распространения информации в более отдаленных провинциях. Поэтому они продавали гравюры, изображающие такие важные события, как смерть великого актера Кабуки, стихийные бедствия, преступления и так далее, в виде иллюстрированных листов

Многие другие виды резьбы, например, изображения знаменитых воинов, монстров, ёкаев и других духов, развлекали японцев.

Суримоно

Единственными подлинно художественными гравюрами, неподконтрольными цензуре, были суримоно. Великолепные укиё-э, которые были предметом частных заказов и никогда не предназначались для продажи, а были посланием, подарком, выраженным через изображения, текст (чаще всего в форме стихов) и каллиграфию. Для создания этих прекрасных произведений были использованы самые мягкие материалы, самые великолепные красители, самые изощренные методы ряби, цветных полутонов и, не говоря уже о золотой пыли и деньгах.

Им нужно было восхищаться, как и всеми остальными принтами, их держали слегка сложенными в руках, чтобы почувствовать изысканность красок и ярких деталей.

Эротические гравюры

В Японии, как и на Западе, слово укиё-э, японский офорт, часто упрощали для обозначения эротических принтов. Было два типа гравюр. Людей с оттенком эротизма, например, показывающих обнаженную ногу, выглядывающую из кимоно, называли абуна-э («опасные образы»). Другие, действительно эротические принты, сюнга, были созданы многими известнейшими художниками. Они поражают Запад своей красотой, и вдохновленный Эдмон де Гонкур пишет: «Накануне я купил японские непристойности. Мне это нравится, это забавляет, это завораживает взгляд. Я смотрю на внешние непристойности, которые есть и которых, по-видимому, нет, и которые я не вижу, потому что они исчезают в воображении «(Эдмон и Жюль де Гонкур, газета Mémoires de la vie littéraire, Париж, Роберт Лафон, сборник «Букин», том 1, стр. 1013, 1989 г).

Японская гравюра очаровывала и продолжает восхищать художников по всему миру. Мы удивлены их полностью ручной работой. Достичь этого совершенства могут только лучшие мастера.

Техника выполнения

Для создания японской гравюры потребовалось три человека: художник, резчик и печатник. Качество и красота работы зависели от всех трех мастеров. Первые нарисовали прототип картины на прозрачной бумаге, резчик приклеил его на вишневую, грушевую или самшитую доску и вырезал оставшиеся белые участки. Это была первая печатная форма, и рисунок был фактически уничтожен. Затем было сделано несколько отпечатков разных цветов (каждый цвет или тон имеет свою форму), и принтер, предварительно обсудив цветовую комбинацию с художником, нанес краску на набор форм и напечатал гравюру на рисовой бумаге.

Метод производства ксилографии укиё-э

Людей, которые рисовали укиё-э, называли художниками укиё-э или художниками эси (эдакуми художник). Люди, которые высекали рисунки художников укиё-э на деревянных пластинах, были хориши (чоко резчики), а люди, которые рисовали и печатали деревянные пластины, были суриши (печатники). Хотя процесс создания укиё-э был совместным усилием, обычно запоминались только имена художников эси. Требовалось как минимум четыре детали, в том числе такая дополнительная деталь, как у покупателя.

«Kento» (современные регистрационные метки печать) были применены для проверки положения бумаги и предотвращения несовпадения цветов при многоцветной печати. Некоторые предполагают, что они были изобретены оптовиком для публикации Китьемон Уэмура в 1744 году, но другие утверждали, что они использовались суриши по имени Кинроку в 1765 году. Также говорят, что они были изобретены Геннаем Хирага, который был связан с Харунобу. Сузуки. Такие фразы, как «Kento wo tsukeru» (цель), «Kento chigai» (неточно), «Kentou hazure» (незарегистрированный), которые все еще используются сегодня, происходят от этого «Kento».

Известные художники укиё-э

Имя Хисикава Моронобу имеет фундаментальное значение в истории японской культуры. Он создал свою школу укиё-э, которая носит его имя. Его последователи — Масанобу Окумура, Тосинобу Окумура.

Художник Андо Кайгецудо создал школу, названную его именем. В его составе работали Анти, Дохан, Дошу, Дошин Кайгецудо.

Тории Киемото основал школу театральной гравюры, которая привлекла Тории Киенобу, Тории Киёмису, Тории Киёмицу.

Знаменитые художники открыли свои школы

Признание и влияние укиё-э в мире

В эпоху Мэйдзи или позже укиё-э не привлекало особого внимания в Японии, и многие его работы были привезены из страны. В результате не проводилось никаких юридических, систематических и академических исследований укиё-э как визуальных произведений искусства, а мнения, основанные на различных источниках знаний, частично и последовательно повторяются только отдельными коллекционерами и исследователями.

Кроме того, как обычно, были подделаны многие известные произведения, в том числе Харунобу Сузуки, Утамаро Китагава и другие, распространенные со времен Эдо.

В западных странах, с другой стороны, укиё-э было открыто и высоко оценено великими мастерами школы импрессионистов, чьи работы находились под влиянием укиё-э, также создавались репродукции картин маслом. Похоже, что не менее 200 000 или более предметов укиё-э хранятся в 20 или более самых престижных западных музеях; Более того, разные люди владеют частными коллекциями, что указывает на то, что укиё-э — единственная иностранная форма искусства, которая собирается в таких больших количествах. Многие музеи содержат более 10 000 предметов укиё-э, например, Бостонский музей изящных искусств с 50 000 предметов, Государственный музей изящных искусств. А.С. Пушкин с 30 000 предметов и т.д.

Укиё-э — единственная яркая гравюра на дереве в мире; в западном изобразительном искусстве нет жанра, который, как считается, способствовал бы его признанию. Среди множества укиё-э, разбросанных по всему миру, было большое количество работ с относительно простыми рисунками, в том числе Утамаро, а укиё-э с богато окрашенными (запоминающимися) сложными рисунками было на удивление мало.

Поскольку укиё-э продается по всей стране в сетевых магазинах тех, что распространились за границу, мы надеемся, что в будущем укиё-э будет считаться редким произведением искусства в мире, так что это признание этого вида искусства не ограничивается Запад.

также ценно то, что укиё-э — единственный в мире материал, который описывает различные жизни обычных людей в средние века.

Согласно записям периода Мэйдзи, до этого периода было около 2000 художников эси, при условии, что были включены неизвестные художники. Так как в то время было напечатано от 100 до 200 работ, в городах появилось огромное количество укиё-э и, в отличие от любой другой страны мира, высококачественные произведения искусства пользовались большой популярностью среди простых людей.

Влияние из-за границы

Одновременно с влиянием укиё-э на японизм в западных странах он также получил влияние из-за рубежа. Синтетический пигмент берлинский синий (берлинский берлинский), родом из Германии, дает яркий цвет и использовался Хокусай Кацусика и др. также были приняты западные методы перспективы и затенения.

Что изображено на самых известных гравюрах

• Гора Фудзи. Большая волна настолько завораживает зрителя, что гора Фудзияма, изображенная на заднем плане, иногда кажется совершенно невидимой. На первый взгляд, ее тоже можно принять за другую волну. Однако и сама гравюра, и серия, в которую она включена, посвящены боли: полное название «Великой волны» — «В морских волнах в Канагаве», гравюра является частью цикла работ Хокусая ». 36 видов Фудзи »(на самом деле она состоит из 46 работ, поскольку благодаря огромному успеху серии художник, помимо 36 основных« видов », создал еще 10). Получается, что основной сюжет работы находится на заднем плане, его практически не видно. Фудзи появляется на каждой гравюре серии, гора священна для японцев и считалась символом превосходства во времена Хокусая.

• Рыбаки. На гравюре художник изобразил три рыбацкие лодки, пытающиеся противостоять беспощадной стихии. В общем, такие шаттлы предназначались для плавания в открытом море, по крайней мере, конечно, не для бурного моря. На Большой волне рыбаки цепляются за весла, чтобы их не поглотила буря.

• Большая волна. В массовой культуре, конечно, где больше внимания уделяется не Фудзи, а большой волне. Он увенчан пеной, похожей на когти животных, и напоминает востоковеду Надежде Виноградовой «стаю птиц, несущуюся из глубин». Большая волна символизирует безжалостную и великую силу природы, которая вот-вот поглотит три рыбацкие лодки. Но уничтожит ли это их? Существует бесконечное количество интерпретаций. Если посмотреть на гравюру справа налево, можно подумать, что люди не спасаются от волны, а, наоборот, сопротивляются ей. Безмятежность Фудзи привносит в композицию гармонию, позволяющую поверить в мирное сосуществование человека и природы.

• Малая волна. Маленькая волна повторяет очертания Фудзи, хотя по размеру больше горы.

• Берлинская лазурь. Удивительно, но до 19 века оттенки синего практически не встречались в японских гравюрах. Это связано с тем, что единственные синие краски, доступные от японских художников, были сделаны с использованием растительных пигментов, краски были нестабильными и потускнели в течение нескольких недель. Краска «Прусская лазурь» была привезена в Японию европейцами в 1830 году, что позволило Хокусаю, а затем и другим художникам развить пейзажный жанр.

• Регистрация. Европейца поражает надпись в столбик, а не в ряд, но это неудивительно. В японском языке принято писать текст столбцами, читая его сверху вниз, справа налево. Автор оставил несколько подписей на гравюре. Тот, что справа, в белой рамке, переводится как «36 видов Фудзи / В морских волнах в Канагаве». Надпись справа на самом деле является подписью художника, что переводится как «Кисти Хокусая, сменившего имя на Иицу». Несмотря на то, что японские художники были склонны менять псевдонимы, Хокусай делал это чаще других — более 30 раз. Обычно он делал это, когда начиналась новая серия. «Хокусай» — это тоже псевдоним, означающий «северный художник». Даже собственное имя «Кацусика» не принадлежит художнику: так называлась местность, где он жил в детстве. Настоящее имя Хокусая — Токитаро.
• Перспектива. Хокусай был знаком с европейской живописью, даже учился у мастера европейского направления. В офортах художника, в частности в «Большой волне», прослеживаются приемы европейской перспективы.

Знаковая гравюра

Самым известным и тиражируемым изображением является «Большая волна у Канагавы», написанная Кацусикой Хикусаи. Его можно найти на логотипах и скульптурах, в уличном искусстве и даже на обложке первого издания «Море» Дебюсси.

Обратите внимание на гравюру «Три красавицы наших дней», выполненную Китагавой Утамаро. Благодаря художнице веками сохранились лица трех самых красивых токийских девушек того времени: Томимомо, О-Хису, О-Киту.

Большая волна у Канагавы

В каком жанре выполнена гравюра

«Большая волна» относится к так называемому направлению укиё-э. Укиё-э родился и развился в период Эдо. Термин переводится как «образы меняющегося мира». Изначально это слово использовалось для обозначения буддийской идеи о том, что все радости мира рано или поздно исчезнут. Позже под «изменяющимся миром» они начали понимать мимолетную радость пребывания в окрестностях Эдо, где можно было встретить гейш, куртизанок или пойти в театр кабуки. Художники, работающие в жанре укиё-э, обратились к реальным образам: они играли актеров театра кабуки, красивых девушек, борцов сумо. Распространению жанра способствовало увеличение в городе ремесленников и купцов. Опираясь на традиции древнефеодального искусства, художники создавали совершенно новые направления.

Кто и как создавал гравюры

важно понимать, что гравюры укиё-э были предметом массового искусства. Роль художника в создании и дальнейшей жизни гравюры была не так велика, как кажется. Чтобы увидеть свет, над гравюрой работали четыре человека: издатель, художник, резчик и печатник. У издателя возникла идея, художник создал будущий рисунок. Оригинальный дизайн пришел в негодность после печати, поэтому многие из дошедших до нас гравюр известных мастеров укиё-э — это только их поздние оттиски. Затем резчик приклеил рисунок к доске и вырезал печатную форму, а принтер нанес слой за слоем краски.

Драма или развлечение для глаз?

На переднем плане мы видим огромную волну. Он вот-вот упадет на три лодки несчастных рыбаков.

Море тоже поднимается вправо, превращаясь в еще одну гигантскую волну. Еще одна волна меньшего размера находится ближе к нижнему краю.

Пена волн поистине замечательна. С помощью строчки вроде пишет . челе! Это делает волны еще более опасными. Несомненно, рыбакам грозит серьезная опасность.

Но затем взгляд останавливается на далекой горе. Абсолютно спокойно. Над ним мы видим хлопья пены волны. Они очень похожи на снег, который вот-вот упадет над головой.

Кацусика Хокусай. Большая волна у Канагавы. 1830-1832 гг. 25×32 см Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Wikimedia Commons.

Получается такая иллюзия. Волна нависает над лодками. Похоже, теперь он проглотит гору. Но мы знаем, что это всего лишь оптическая иллюзия. Гора далеко. И даже хлопья «снега» до него не дойдут.

И теперь мы не так боимся «когтистой» волны. На наших глазах ужасный морской пейзаж превратился в игру для глаз.

Возможно, именно сочетание иллюзии движения, драматизма и оптической игры сделало изображение таким популярным.

Но это не единственное объяснение того, как этой гравюре Хокусая удалось покорить весь мир.

Как встреча двух миров создала «Большую Волну»

Япония веками была закрытой страной. Ни французы, ни англичане, ни испанцы не могли остановить страну восходящего солнца с начала 17 века. Только голландцы имели на это право.

И вот что произошло.

До голландцев такие произведения создавали японцы. Вы видите, насколько необычна для нас композиция?

Кано Мицунобу. Сцены из жизни императора Мин Хуана и его любимой наложницы Ян Гуйфэй. Конец 16 века. Национальный музей азиатского искусства в Вашингтоне. Asia.si.edu.

Японцы не знали линейной перспективы и редукции перспективы. Следовательно, фигуры на заднем плане на этой картине такого же размера, как и на переднем плане. И вы не найдете ни одной точки схода — изображение состоит из нескольких отдельных сцен.

Но через некоторое время голландцы начали импортировать свои гравюры на меди в Японию. А японские мастера увидели совсем другую композицию.

Некоторые из этих характеристик были впитаны в японское искусство. Хокусай также использовал западные техники живописи.

В «Большой волне» мы видим знакомую нам композицию. На переднем плане волна и лодки, на заднем — гора. Последний имеет небольшие размеры, как и положено вдалеке.

Однако есть одна особенность. Хокусай промахнулся по центру! Поэтому иллюзия глубины ошеломляет.

Мы словно попадаем глазами в образ, без резких переходов в виде золотой середины. Но для жителей Запада это все же более привычная композиция.

Вот почему европейцы с таким энтузиазмом восприняли такие гравюры, когда Япония была вынуждена открыть свои границы в середине 19 века. Европейцы увидели нечто экзотическое, но достаточно знакомое (с точки зрения построения изображения).

Благодаря зарождающейся моде для всех японцев принты Хокусая стали очень популярными. Но «Большая волна» была более популярна у европейцев.

Почему «Большая волна» стала самой известной

Большая волна на самом деле является частью серии из 36 гравюр с горы Фудзи.

Да, Хокусай создал для японцев десятки изображений этой священной горы. Отпечатки были проданы в большом количестве местным паломникам, пробивавшимся к подножию горы. Некоторые даже забрались на вершину. Такая сцена изображена в одной из работ сериала.

Кацусика Хокусай. Скалолазание. 1830-1832 гг. Метрополитен-музей в Нью-Йорке. Wikimedia Commons.

Однако «Большая волна» сильно отличается от остальных изображений в этой серии.

Она драматична! Однако моряки гибнут в море. А западного человека всегда привлекала борьба между человеком и природой. Кроме того, именно в первой половине 19 века были популярны картины в стиле романтизма. Тогда родилось много шедевров на эту тему.

Слева: Теодор Жерико. Плот Медузы. 1819. Лувр, Париж. Справа — Иван Айвазовский. Девятая волна. 1850. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikimedia Commons.

Эта тематическая взаимосвязь выделяла «Большую волну» среди других произведений Хокусая. Остальные гравюры из серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи» хоть и примечательны, но менее эмоциональны.

Кацусика Хокусай. Гравюры из серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи». 1830-1832 гг. Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Wikimedia Commons.

Фундаментальное произведение японского искусства

Одна из самых известных японских картин за пределами Японии. Первое полотно из цикла «Тридцать шесть видов Фудзи”.

Действие происходит в префектуре Канагава, на фоне горы Фудзи: огромная волна нависает над небольшой лодкой. На этом полотне, как и на других полотнах из цикла, изображена гора Фудзи в самых разных условиях.

Беспощадная волна швыряет лодки, как бумажные кораблики. Искусствоведы считают, что герои фото — это люди, которые в панике цепляются за свою последнюю надежду: хрупкие лодки, предназначенные только для прибрежных плаваний, здесь символизируют человечество в целом.

Отпечатки с этой гравюры хранятся в нескольких музеях по всему миру, таких как Чикагский институт искусств и Национальная галерея в Мельбурне.

Многие полотна цикла отличаются умелым использованием оттенков синего. Драматичность сюжета, например, задается тонами «берлинской синевы». Вообще, «Великая волна на Канагаве» не является традиционным японским офортом: в свое время автор изучал европейскую живопись. Кроме того, выбранный «синий» отражает популярность этого цвета на континенте.

Сравнивая размеры волн и лодок, можно сделать вывод, что смертоносная вода поднимается примерно на десяток метров.

Спустя пару десятилетий популярность этой гравюры распространилась по Европе. Ее интересовали и такие столпы искусства, как Ван Гог и Клод Моне.

«Великая волна» не только повлияла на развитие живописи: даже композитор К. Дебюсси (Франция), когда писал свою «Кобылу», был вдохновлен этой гравюрой, даже поместив ее на обложку нотного станка.

Поэт Р. М. Рильке (Чехия и Австрия) написал целое стихотворение, вдохновленное Канагавой. Поэма называется «Гора”.

Сегодня существует даже смайлик, основанный на этой гравюре Хокусая..

Полотно хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

Как грошовая гравюра стала высоким искусством

Хокусай также выделялся на фоне других японских мастеров. Его «волна» относится к резным фигуркам укиё-э. Это бумажный принт, изображающий повседневные сцены. Что-то вроде наших журнальных иллюстраций. В основном они носили игривый характер.

Хисикава Моронобу. Кухня Джорои. 1680. Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Но Хокусай решил выйти за рамки жанра. И он не ограничивался повседневными делами. О роли природы, ее силе начал рассказывать живописными средствами. Поэтому его гравюры стали приобретать многослойность высокого искусства.

Такой вывод можно сделать, хотя бы из того, какие полярные интерпретации этой работы дают искусствоведы!

Некоторые считают, что Великая волна — это символ Преграды для Японии. Он защищает неповторимость страны от иностранного влияния.

Другие думают, что, наоборот, это символ перспективы открытия Японии для Запада и ее торговли с другими государствами.

Благодаря этому гравюры стали покупать музеи, а их цена со временем только росла.

«Большая Волна» в России

Да, Большая волна находится как в Метрополитен-музее, так и в Британском музее. А также . в ГМИИ в Москве!

Кацусика Хокусай. Фудзи в волнах моря Канагава. 1830-1832 гг. Пушкинский музей в Москве. Japaneseprints.ru

Все эти копии были напечатаны в 19 веке. И цена каждого из них достигает нескольких миллионов долларов! Хотя изображение не единственное.

Кстати, в ГМИИ можно найти и ранние работы Хокусая с волнами и лодками.

Кацусика Хокусай. Лодки в волнах. 1800. Цветная ксилография. Пушкинский музей в Москве. Japaneseprints.ru.

Идея создания этого образа вынашивалась художником давно. Это, помимо прочего, позволило в 1830 году сделать его таким выразительным.

Но главное, что «Большая волна» стала символом объединения культур Запада и Востока. В конце концов, он был создан на комбинированном изобразительном языке.

Это также доказывает, что даже самое обычное изображение, однажды проданное в качестве сувенира за два цента, может войти в историю мирового искусства.

Что еще создал Хокусай

Хокусая можно считать одним из основоположников пейзажного жанра укиё-э. Если раньше на гравюрах природа служила лишь фоном для основного действия, то в Хокусай Гора Фудзи, водопады, сами городские пейзажи становятся героями картин. Художник был очарован водой, особенно выразительно запечатлел ее в серии «Путешествие по водопадам разных провинций». Вода на этих картинах поистине величественна. При этом людей на гравюрах можно не заметить с первого взгляда.

Хокусай работал в самых разных жанрах. Поэтому художник создал гравюры в жанре катэ-э, что в переводе означает «цветы и птицы». В этих гравюрах художники с помощью мелких предметов хотели показать общие законы мира, рассказать макромир через микрокосм. Хокусай был чрезвычайно внимательным художником, острота его художественного видения проявлялась в изображении птиц и растений. Он искал взаимосвязи в мире, он пытался передать их через свои произведения, он воспринимал природу, явления жизни как философски, так и лирически. Среди произведений Хокусая можно найти как красивые пейзажи, так и образы повседневной жизни.

Кацусика Хокусай. «Кукушка и азалии» (1836). Работа в жанре kate-e

Лучшей своей работой Хокусай считал серию «100 видов Фудзи». В отличие от «36 просмотров», эта работа выполнена в монохромной технике. В предисловии к сериалу Хокусай рассказал о своем творческом пути: «С шести лет я был одержим манией рисовать формы предметов. К пятидесяти годам я закончил бесчисленное количество рисунков, но все, что я делал до семидесяти лет, не стоит подсчитывать. Только в возрасте семидесяти трех лет я примерно понял структуру истинной природы, животных, насекомых, трав, деревьев, птиц и рыб. Следовательно, к восьмидесяти годам я достигну еще большего успеха; в девяносто я проникну в тайны вещей, а в сто мое искусство станет только чудом. Когда мне исполнится сто десять, тогда у меня будет каждая точка, каждая строчка: все будет живым. Прошу тех, кто в моем возрасте, проверить, сдержал ли я свое слово. Хокусай — старик, помешанный на рисовании».